Chiharu Shiota

CHIHARU SHIOTA:

Lorsque Mami Kataoka [directrice du Mori Art Museum] est venue me rendre visite à Berlin en 2017 pour m’inviter à mettre sur pied une rétrospective, j’étais tellement heureuse. Mais le lendemain, j’ai eu un contrôle chez le médecin et il m’a informé que le cancer était revenu. Cela signifiait que pendant que je préparais l’exposition, je devais également subir une opération et une chimiothérapie. Pendant cette période, j’ai beaucoup pensé à la mort, à mon âme. Ma fille n’avait que 9 ans et je me demandais comment elle pourrait grandir sans sa mère. C’est ce qui m’a inspiré ce titre, le tremblement de ma propre âme alors que je luttais pour ma survie et que je montais cette exposition.

CHIHARU SHIOTA:

Après le diagnostic, j’ai eu l’impression d’être sur un tapis roulant. La première étape a été l’opération, suivie de la chimiothérapie. C’était un protocole tellement stérile. J’avais l’impression que mon corps était démantelé, que mon âme et mon corps étaient séparés. Le cuir est découpé et des parties de mon corps sont éparpillées sur le sol.

Normalement, mes installations sont démontées et jetées après l’exposition. Ça ne me dérange pas car l’œuvre reste dans la mémoire du spectateur. Cependant, pendant cette période, je voulais travailler avec des matériaux qui resteraient après l’exposition et même après ma propre mort.

CHIHARU SHIOTA:

C’est une visite au Mori Art Museum qui m’a inspiré la création de cette œuvre. Le musée se trouve au 53^e étage et surplombe Tokyo. Il y avait une grande fenêtre et on pouvait voir toute la métropole en dessous ; c’était comme regarder une ville miniature. Je voulais relier l’extérieur à l’intérieur. Mais lors de la pandémie de Covid 19, le sens de cette œuvre a un peu changé. Je pensais à nous tous confinés dans nos maisons, chaque intérieur étant comme un petit univers en soi.

CHIHARU SHIOTA:

Dans From DNA to DNA, le fil ressemble à un cordon ombilical. À cette époque, j’étais inspirée par ce lien. L’installation était suspendue au plafond et le fil descendait jusqu’à mon corps ; moi, ou l’être humain, renaissait à partir de l’œuvre.

Dès le début, la signification du fil était le prolongement d’un trait de crayon à partir d’un dessin. Maintenant, je vois ça davantage comme un lien avec les gens et le fait que je tisse la mémoire comme le système neuronal du cerveau.

CHIHARU SHIOTA:

Créer ces installations, c’est comme dessiner dans l’espace. Même si le champ d’exposition s’est agrandi ces dernières années, je cherche toujours à suivre la ligne. Je ne veux utiliser que ce matériau, rien d’autre. C’est pourquoi je n’emploie que des fils métalliques très fins pour fixer le matériau au plafond et parfois aux murs. Si c’est possible, je me contente généralement d’agrafer dans les murs et les sols. Je veux que tout autre matériau disparaisse pour que le spectateur ne puisse voir que le fil. Je veux que cela ressemble à un dessin, pas à une sculpture.

CHIHARU SHIOTA:

La couleur rouge est comme le sang et évoque donc les relations humaines. Au Japon, une légende raconte que lorsqu’un enfant naît, un fil rouge est noué autour de son petit doigt ; il s’agit d’une extension d’un vaisseau sanguin de son cœur jusqu’à son doigt. Le fil rouge est ensuite relié au doigt d’une autre personne. On dit que ces personnes sont destinées à faire partie de la vie de l’autre. Je crois que nous sommes tous connectés, mais ces connexions sont invisibles à l’œil nu. Je cherche à les rendre visibles.

Le noir est plus abstrait. Un amas de fil noir forme une surface et je peux alors créer des espaces illimités qui s’élargissent progressivement pour former un univers en soi.

CHIHARU SHIOTA:

Cela est étroitement lié à mes sentiments lorsque je tisse l’installation. Plus je suis anxieuse, plus le fil est emmêlé. Quand je suis calme, le matériau est également calme. Le fil unique ressemble à toutes les connexions car il peut être tendu, emmêlé, cassé, lâche ou noué, tout comme les relations.

CHIHARU SHIOTA:

Elle vient de mon enfance, mais je l’ai conçue à partir de mes souvenirs, 20 ans plus tard. Après la création, ce traumatisme ou ce moment avait disparu ; je ne le porte plus en moi.

CHIHARU SHIOTA:

Il y a deux robes, mais au milieu de l’espace se trouve un miroir. Au premier regard, les gens n’aperçoivent pas ce miroir ; ils pensent que les deux robes sont côte à côte, mais ce n’est qu’un reflet de l’une d’elles. En réalité, l’autre robe se cache derrière le miroir. C’est comme un tour, une illusion d’optique. Nous pensons savoir ce qu’est la réalité, mais ce n’est qu’un miroir de nous-mêmes. Quand je me regarde dans le miroir, je ne vois souvent pas ce que je suis. Dans cette installation, cette coque de corps peut occuper la pièce créée, mais elle n’est pas seule dans cet espace. Nous ne pouvons pas voir la vérité directement ; nous devons regarder à travers autre chose, une autre perspective.

CHIHARU SHIOTA:

Les valises bougent parce qu’elles sont prêtes à partir, elles veulent voyager. Cela ressemble aussi à la sensation que nous avons avant de partir en voyage, à l’excitation ou au tremblement de l’âme. Je suis allée une fois aux puces de Berlin, j’ai trouvé ces vieilles valises et en les ouvrant chez moi, j’ai trouvé un vieux journal de 1946 dans l’une d’elles et une liste d’identification de colis dans l’autre. Ces objets me semblaient si familiers que j’avais l’impression de connaître la personne à qui appartenait la valise. Je pouvais ressentir son existence même si je ne l’avais jamais rencontrée. Chaque valise représente une personne.

L’idée était que l’exposition commence par Where Are We Going ? et se termine par Accumulation – Searching for the Destination. C’est comme un voyage, du début à la fin.

CHIHARU SHIOTA:

J’ai un petit studio attenant à mon appartement où je ne fais que mes dessins. Mon atelier principal se trouve à Wedding, un quartier de Berlin. Il fait environ 400 m² ;

c’est là que je prépare le matériel pour les installations et où mon équipe travaille. Je crée principalement mes installations dans le musée lui-même. Mon atelier ressemble davantage à un entrepôt pour le matériel.

Mon immeuble a une longue histoire et renferme beaucoup de souvenirs : c’était une tour de guet qui servait à sécuriser la frontière entre Berlin-Ouest et Berlin-Est. Je suis souvent inspirée par la ville elle-même et les cicatrices de son histoire.

CHIHARU SHIOTA:

En tant qu’artiste, je travaille habituellement seule. Mais pour une scénographie, je dois collaborer avec le technicien de la lumière, les interprètes, le metteur en scène et le chorégraphe. Nous avons chacun notre rôle distinct, mais nous devons quand même travailler ensemble. C’est complètement différent de la création d’une exposition pour un musée. Cet échange d’idées tournées vers un objectif commun rend le travail beaucoup plus complexe mais ça permet de créer de plus grandes choses.

CHIHARU SHIOTA: 

Aucune, je suis artiste 24 heures sur 24. Il n’y a pas beaucoup de place pour autre chose.